miércoles, 7 de diciembre de 2011

ISMOS

FAUVISMO
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración caracterizado por un empleo provocativo del color. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar.




Lujo, calma y voluptuosidad



Fecha: 1904-05
 Museo: Centro
 Características: 98,3 x 118,5 cm.
 Material: Oleo sobre lienzo

1.      Análisis Contextual
Fue pintado por Matisse en 1904 y se considera como una obra síntesis del postimpresionismo que se convirtió en un manifiesto de lo que sería el fovismo. Aunque puede observarse una cierta influencia de la técnica del puntillismo, la utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez en el Salón de los Independientes y después en el Salón de Otoño. Esta obra la compró Paul Signac.

2.      Análisis del Autor
(Cateau Cambrésis, 1869 - Niza, 1954) Pintor francés. Cursa estudios de jurisprudencia entre 1887 y 1888, en la Universidad de París, que se ven interrumpidos por una larga y grave enfermedad que le retiene en cama hacia 1890. Durante su convalecencia empieza a pintar, y en 1891, ya recuperado, vence la oposición de sus padres y abandona la carrera de leyes para entrar en la Escuela Julian, donde estudia bajo la dirección de Bouguereau. En 1892 entra en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, donde cursa estudios de pintura durante cinco años. Es allí donde conoce a Rouault y a Manguin. Asiste también a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Decorativas, donde entabla amistad con Marquet.
Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional. Ese mismo verano conoce a Rodin y Pisarro y se interesa por la pintura impresionista. En 1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner; también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes. De vuelta a París, asiste durante algunos meses a las clases de Carrière, en cuyo taller conoce a Derain y a Puy. Descubre en estos momentos a Cézanne (le compra a Vollard las Tres Bañistas).

Se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo.

1905 es el año de la presentación de una nueva tendencia que el crítico Vauxcelles bautizaría como Fauve, es decir, fieras, en el Salón de Otoño. Los Stein adquieren en ese momento la obra Mujer con Sombrero. Su obra Retrato de la Sra. Matisse causa, a pesar de sus reducidas dimensiones, un gran impacto en el Salón debido a la sabia saturación de los colores chillones. Matisse utiliza aquí el color en todas sus posibilidades expresivas.

En 1906 expone de nuevo con el grupo de los Fauves (Manguin, Marquet, Puy, Derain, Van Dongen, Rouault) en el Salón de Otoño y realiza su primer viaje a África, donde le impresionan los trabajos de arte popular, sobre todo los tejidos y las cerámicas. Pinta Naturaleza muerta con tapete rojo. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso y realiza su primer viaje a Italia.

En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África.

En 1909 recibe del coleccionista ruso Schukin el encargo de pintar dos grandes paneles: La Danza y La Música; la primera, puede ser interpretada cómo una demostración anticubista de como las figuras pueden unirse a través del arabesco y de los intensos contrastes de color contra el fondo abstracto;... las fuentes de este mural son variadas, desde las figuras de los vasos griegos a las imágenes greco-romanas de las Tres Gracias. También en 1910 esculpe su primer altorrelieve, La Espalda 1.

En 1910 realiza una amplia muestra individual en París, en la galería Bernheim-Jeune y viaja con Marquet a Munich para visitar la exposición de arte islámico. En 1911, viaja a Moscú para instalar los paneles en casa de Schukin y conoce los iconos y las artes decorativas bizantinas, que pasarán a ser un elemento esencial en su repertorio estilístico. Es claro ejemplo de ello El Estudio Rojo, en el que destaca la simplicidad del colorido. La superficie del cuadro es mate y plana y representa el estudio del artista, esta vez sin el artista y sin modelo, solamente con cuadros y algunos otros objetos.

Poco después viaja a Marruecos con Camoin y Marquet; pasa en el Norte de Africa los veranos de 1911-12 y 1912-13. Del primer verano data Jardín Marroquí, una composición casi abstracta de verdes y rosas. En 1913 participa con varias obras en el Armory Show neoyorquino y en la Secesión berlinesa. El estallido de la guerra provoca el traslado de él y su familia (se había casado en 1898 con Amélie Parayre, con quien tenía dos hijos) a Collioure, donde conoce a Juan Gris. En 1915 realiza una exposición individual en la galería Montross de Nueva York.

Principales obras de Matisse

Las obras de Matisse son de las pinturas más cotizadas hoy en día, alcanzando cifras record en los remates que sucedieron en la ciudad de Nueva York en el año 2007.

Las más famosas son:

Mujer leyendo - 1894
Place des Lices - 1904
La raya verde (Madame Matisse) – 1905
Lujo, calma y voluptuosidad – 1905
La alegría de vivir - 1906
La habitación roja – 1908
LA
danza - 1910
La
música - 1911
Café Árabe - 1913
La Odalisca - 1926
Naturaleza muerta con mesón verde – 1928

3.      Tendencia de la Obra
Fauvista

4.      Análisis Sensorial
Lujo, calma y voluptuosidad, pinta un hermoso lugar donde las mujeres se desnudan y se bañan. Recrea un paraíso que quiere revivir.



La raya verde




Tipo de obra: Óleo y témpera sobre lienzo 0,40 x 0,325.
Cronología: 1905 -1906
Localización geográfica:
Copenhague, Museo Real de Bellas Artes

1.      Tendencia de la Obra
Fauvista

2.      Análisis Sensorial
La obra representa el retrato de la esposa de Matisse, un retrato duro y colorista que define a la perfección el momento por el que el autor se identifica con sus “fauves” sus composiciones preferidas, sus fieras particulares.
La mujer, seria y en posición de posar para el retrato, desvía ligeramente su mirada del frontal del cuadro, ofreciendo un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo de tensión.

3.      Análisis Compositivo de la Obra
lo más importante de la composición es el juego de líneas y de colores que definen el retrato, líneas que definen bruscamente el límite de las formas de la cara y el vestido, y colores poco mezclados, dibujados con aparente falta de orden, y con falta de sentido común en la aplicación. Destaca sobre todo la famosa raya verde que da título al cuadro, y que delimita de una forma brusca los dos lados de la cara. Y que para definir la zona más iluminada de la más obscura se emplean dos colores como el naranja y el rosa, que no se corresponden con una representación naturalista de un retrato.


La Habitación Roja
1.      Tendencia de la Obra
Fauvista

2.      Análisis Sensorial
Es el interior de una casa con una mesa con mantel rojo, una silla a la izquierda y una mujer a la derecha, que está colocando algunos objetos y frutas sobre la misma. Hay una ventana en la parte superior izquierda, desde donde se puede ver el exterior, es un jardín con árboles y flores. Lo que llama la atención son los diseños florales en el interior que se extienden sin solución de continuidad por el mantel y por la pared. No se puede establecer la diferencia entre lo que es decoración y los objetos sobre la mesa.

3.      Análisis Compositivo de la Obra
Tiende hacia la bidimensionaldad porque trata todos los objetos y la figura en el mismo plano. No establece diferencia entre lo que está más cerca y lo que está más lejos.
El objetivo que busca es respetar la bidimensionalidad de la tela y alejar el tema de lo real para jerarquizar los colores y las formas por sobre la funcionalidad de los objetos.

No hay simetría pero sí hay equilibrio. No respeta las proporciones de la figura y de los objetos.
El objetivo que busca es acentuar la irrealidad de la escena y aspira a que el espectador preste más atención al diseño de formas y colores.

Son figuras curvas irregulares que se articulan con el cuadrado de la ventana.
El objetivo que busca es la ilusión de movimiento porque nuestro ojo tiene que recorrer las curvas y contracurvas.

Las líneas de dirección son las curvas y contracurvas.
El objetivo que busca es crear la ilusión de ritmo y movimiento.

Los contornos son cerrados.
El objetivo que busca es crear un efecto de diseño que se aleja de la realidad.

André Derain

Descripción: Óleo sobre lienzo. 65,7 x 99,1 cm.
Localización: Tate Gallery. Londres

1.      Análisis del Autor
El pintor francés André Derain nació en Chatou, Francia, en el año 1880.
Este hombre se ha formado principalmente en la Academia Camillo, en el año 1898, en esta misma André conoce a Henri Matisse, y juntos, experimentan, terminando ambos copiando cuadros en el Louvre.
Junto con él ha sido considerado como uno de los iniciadores del Fauvismo.
En esta misma época, Derain acude a las primeras exposiciones de Van Gogh y expone sus primeros lienzos en el Salón de otoño, mostrando su arte con el que ha tenido suerte y en poco tiempo ha hallado admiradores que han sabido apreciar su técnica y estilo.
Al llegar 1900, Derain conoce a Maurice de Vlaminck, y con él es con quien más adelante compartiría un estudio.
En este lugar, André comienza a pintar sus primeros paisajes, dejándose llevar y continuando con experiencias nuevas.
Más adelante, se reúne con Matisse en Collioure en 1905 y con este motivo define su propio estilo, el cual se define por: colores vivos, dibujo simplificado, composición clara.
A partir del año siguiente, influenciado por Gauguin muestra en sus obras que los colores parecen apagarse, y al entrante descubre en un encuetro en el que por cierto conoce a Picasso, Braque, Apollinaire, Van Dongen y Max Jacob, conoce el arte africano y comienza a coleccionarlo, quizas buscando más influencias y técnicas.
Posteriormente, en algunos años más luego de experiementar con la escultura en piedra, Derain se traslada a Montmartre para estar más cerca de su amigo Picasso y, al tentarse en seguir sus pasos, no llega más lejos del Pre-cubismo y acabarán peleados, tras 10 años de amistad.
En estos mismos tiempos, Derain ilustra el primer libro de poesía de Guillaume Apollinaire, “El mago podrido”, el cual ha sido editado en el año 1909 y una colección de poemas de Max Jacob que llegaría en 1912.
Luego, al llegar 1916, André realiza las ilustraciones para el primer libro de André Breton, “Monte de piedad”, trabajo que ha tenido un gran reconocimiento.
En algunos años más, diseña el telón, la decoración y el vestuario del ballet “La Boutique fantasque para Diaghilev”, de los ballets rusos, hecho que ha tenido un gran éxito y lo ha llevado a colaborar en otros muchos ballets, lo que ha hecho crecer su reputación al igual que al recibir el premio Carnegie en 1928.
Luego, cuando comienzan los conflictos por el curso de la Segunda Guerra Mundial, Derain vive en París y agraciadamente ha sido tratado por los alemanes como un prestigioso símbolo de la cultura francesa.
Luego al trasladarse a Alemania en 1941, sufre un duro golpe cuando la propaganda nazi utiliza este viaje, y es acusado de colaboracionista y condenado al ostracismo durante mucho tiempo tras la Guerra.
Por este motivo Derain renuncia a presentar públicamente sus obras, y a llegar el año 1944 tras una oportunidad rechaza el nombramiento de director de la Escuela Nacional de Bellas Artes de París.
Finalmente su vida acaba en una voluntaria soledad, y muere en Garches el día 8 de septiembre de 1954.

2.      Tendencia de la obra
Fauvista

3.      Análisis Sensorial
En esta obra un barco introduce al espectador en la escena, la disposición del barco en diagonal no es más que un intento de dar profundidad al cuadro ya que la pintura al ser plana no lo puede conseguir.

4.      Análisis Compositivo de La Obra
En la composición tienen más importancia las lanchas y las gabarras pintadas de rojo, con sus sombras moradas, dando oportunidad al estallido colorístico sobre la bruma lechosa del río.
La pintura tiene todo el brío de la juventud de su autor y la exaltación fauve que le animaba en aquellos tiempos de estrecha relación con Matisse y Vlaminck.


Los Bañistas

 “Las Bañistas” 1907
 Óleo en lienzo.
152.1 x 194.8 cm
Museo de Arte Moderno, New York. USA




Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 180 x 144.8 cm.
Museo: The Saint Louis Art Museum










Maurice de Vlaminck
 
Los arboles rojos

1.      Análisis del Autor
(París, 1876-Rueil-la-Gadelière, 1958) Pintor francés. Formado como músico, se inició en pintura estudiando las obras expuestas en el Louvre y en las galerías de la calle Laffitte; el conocimiento de la obra de V. Van Gogh sería determinante para él. Los experimentos pictóricos realizados junto a André Derain, unidos a los de Matisse, desembocaron en el fauvismo, movimiento del que fue el más radical exponente (Árboles rojos, 1906). Básicamente paisajista, realizó también bodegones, cuadros de flores y algunos retratos.
De Maurice de Vlaminck puede afirmarse que encarnó el verdadero espíritu fauvista. Rebelde y contestatario, años más tarde, rememorando aquella época, diría de sí mismo: "Yo era un bárbaro tierno." Si el carácter sereno de Matisse transformaba el color en un elemento de gozosa sensualidad, Vlaminck lo utilizaba como un arma que arrojar contra la tradición. De carácter vehemente y apasionado, le movía una arrogancia airada que le llevaba a repudiar los museos y a extraer del color toda la fuerza expresiva.
Con Vlaminck la pintura se convierte en trasunto de una vitalidad incontenible: "Cuando tengo la pintura en las manos, es la vida y yo, yo y la vida." Con estos planteamientos, sus paisajes son productos surgidos de la pasión. En Orillas del Sena en Carrières-sur-Seine (1906, Colección Guy Roncey, París), en Pueblo (1906, Stedelijk Museum, Amsterdam) o en Las esclusas de Bougival (1908, National Gallery of Canada, Ottawa), el color es liberación espontánea de lo instintivo; el lienzo, un lugar donde verter sus emociones. Su temperamento queda registrado en la tela por una pincelada nerviosa y unos empastes densos que potencian la agresividad cromática y la viveza expresiva y que presagian el expresionismo.
2.      Tendencia de la Obra
Fauvista
3.    Análisis Compositivo de la Obra
Incorpora una línea vertical, aunque no hablemos de un cuadro estático. Trabaja los colores cálidos que nos acercan al cuadro, y los fríos, que nos alejan del mismo. Los árboles dan una sensación de movimiento debido a su inclinación que se enmarca en un paisaje bañado por el Sena que recuerda a Van Gogh en el contorno de los árboles.

Restaurante de la Machine

              Hacia 1905
              Óleo sobre lienzo
              Alt. 60; Anch. 81,5 cm.


Fue en 1900, tras su encuentro con Derain, que Maurice de Vlaminck decide hacer su profesión de la pintura. El paisaje, en particular el Sena en los alrededores de París, es un tema de predilección para Vlaminck. Aquí se trata del pueblo de Bougival y en especial el restaurante "La Machine" que eligió por motivo.

Para pintar los edificios, Vlaminck se sitúa levemente más allá del camino, justo antes de la curva de la carretera. Pese a reanudar entonces con un modelo de composición preciada por los impresionistas, se aleja no obstante de el, con un enfoque mucho más cercano.

El color y la pincelada, utilizados por el pintor también contribuyen a la construcción tan singular, que no deja de recordar Vincent van Gogh. Encontramos, en efecto, aquí un toque dinámico que construye la forma y los empastes son valorados por el maestro holandés. La pincelada se modifica en función del efecto deseado: más bien redonda, en los campos coloreados del primer plano, se alarga en el árbol, para volverse dúctil en la arquitectura.

También fue tras su confrontación con Van Gogh que la paleta de Vlaminck se esclarece hasta convertirse en un chorro de colores puros, directamente salidos del tubo. Presentado en 1905 en el tercer Salón de otoño, el Restaurante de la Machine en Bougival se une a obras de artistas que no tardarán en ser calificados de "fauves" por el crítico Louis Vauxcelles.


El remolcador
Campos, Rueil
Fecha: c. 1906-1907
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 55 x 65 cm
Ubicación: Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza

Vlaminck trabaja los reflejos en el agua jugando con diferentes tipos de pinceladas entre el primer plano y el fondo.
EXPRESIONISMO

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.


James Ensor (1860-1949)

Entrada de Cristo en Bruselas de james
Autor: James Ensor
 Fecha: 1888-89
 Museo:
Koninklijk Museum Amberes
 Características: 258 x 431 cm.
 Material: Oleo sobre lienzo

1.      Análisis del Autor
(Ostende, 1860 - 1949) Pintor belga. Miembro fundador del Grupo de los XX (1884), fue uno de los primeros representantes de la pintura expresionista. Si bien sus primeras obras se caracterizan por los paisajes brumosos de inspiración flamenca, a partir de 1880 Ensor alternó los bodegones -La col (1880, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas)- con los interiores, en los que predominaban los colores pardos, rojizos y azules de tono melancólico, como en La mujer de azul (1881, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas).
Sin embargo, pronto abandonó este primer estilo "oscuro" y se interesó por las escenas de carácter fantástico y grotesco, donde impera una cierta expresión burlesca y esperpéntica en todos sus personajes. Ensor alcanza su máxima expresión pictórica en obras como El asombro de la máscara (1889, Museo de Amberes), en las que máscaras, esqueletos y demonios son el fiel reflejo de la tragicomedia humana.
En 1888 realizó su obra más célebre, La entrada de Cristo en Bruselas (Colección Louis Franck, Londres), en la que representa, en una escena carnavalesca, a una muchedumbre alienada entre la que sobresale la figura de Jesucristo montado en un pollino. La individualidad creativa de Ensor frente a los movimientos artísticos del momento se tradujo en sus obras, convertidas en parodias irónicas y hasta agresivas de su época, como en Máscaras disputándose a un ahorcado (1891, Museo de Amberes).
En 1900, Ensor padeció una depresión nerviosa, por lo que su pintura decayó notablemente. En su último período activo realizó grabados y dibujos de paisajes o escenas de la vida cotidiana en los que la fusión del sueño y la realidad anuncian, de algún modo, el surrealismo. De hecho, los propios surrealistas lo reconocieron como un importante precedente de su incursión en el tenebroso mundo de lo fantástico y lo irracional.
PINTURAS DE JAMES ENSOR











Autorretrato de James Ensor con sus máscaras y personajes enmascarados

Entrada de Cristo en Bruselas (1888)

El Banquete del hambre (1915)
Esqueletos peleando sobre un hombre ahorcado (1891)
Esqueletos
El asombro de la mascara

2.      Tendencia de la Obra
Expresionista

3.      Análisis Sensorial
En la pintura, se ve a Cristo entrando, pero sin tener mucha atención del pueblo en la manifestación, por lo que hay que dudar acerca de cuan “triunfal” es la entrada del hijo de Dios en Bruselas.



Autorretrato con máscaras

1.      Tendencia de la Obra
Expresionista


2.      Análisis Compositivo de la Obra
Cuando Ensor se autorretrató en 1899 con sus maliciosos ojos que miran fríos y escrutadores al observador, no sólo se adorna con un sombrero de fantasía, sino que aparece rodeado, e incluso asediado, por toda una jauría de máscaras. Detrás de él, las máscaras aparecen acompañadas de calaveras que miran fijamente, amenazantes y hostiles. Delante de él, son más amistosas: extrañas máscaras de narices largas.
La muerte y las máscaras

Su obra, actualmente diseminada, se caracteriza por una diversidad de materiales y de temas, como los retablos, los payasos y los arlequines.
Edvard Munch (1863-1944)


El grito


1.      Análisis Contextual
El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.

2.      Análisis del Autor
(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. Tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.
En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.
De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad.
El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y disecado cuerpos, él intentaba disecar almas. Por ello, los temás más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso).
Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.

Obras principales
  • De Mañana. 1884. Óleo sobre lienzo. 96,5 x 103,5 cm. Colección Rasmus Meyer, Bergen.
  • La niña enferma. 1885- 86, óleo sobre lienzo, 119,4 X 118,7 cm., Galería Nacional de Oslo. Esta obra, que traduce experiencias de infáncia del pintor, dio origen a otras tres telas fechadas en 1906, 1907, 1926, y a numerosas gravuras y litografías. El pintor decllara, sobre esta obra:
Con La niña enferma abrió caminos nuevos para mi, fue una ruptura en mi obra. La mayor parte de mis trabajos posteriores deben su existencia a este cuadro.
  • Hans Jaeger. 1889. Óleo sobre lienzo 109,5x84 cm. Galería Nacional, Oslo.
  • La Rue Lafayette. 1891. Óleo sobre lienzo, 92 x 73 cm., Oslo.
  • El Grito. 1893. Témpera . 83,5 x 66 cm. Museo Munch, Oslo.
  • Pubertad. 1894-95. Óleo sobre lienzo 151,5x 110 cm. Galería Nacional, Oslo.
  • Madonna. 1894-95. Óleo sobre lienzo 91x70,5 cm. Galería Nacional, Oslo.
  • Celos. Óleo sobre lienzo, 66,7 x 100,3 cm., Rasmus Meyers Salinger, Bergen. Una litografía con el mismo título, de 1896, se concerva en el Acervo Municipal de Arte de Oslo.
  • Mujer en tres etapas.1895. Óleo sobre lienzo, 164,1 x 250 cm., Rasmus Meyers Samlinger, Bergen.
Fue en 1895. Hice una exposición en el otoñote Blomquist. Los cuadros provocaron un tremendo rechazo. La gente quería boicotear la galería, llamar a la policía. Un día me encontré allí a Ibsen… mostró un interés especial por “Mujer en tres etapas”. Tuve que explicarle el cuadro. Aquí esta la mujer soñadora, allí la mujer hambrienta de vida y finalmente la mujer como monja, pálida y erguida entre los árboles…Unos años después Ibsen escribió “Cuando los muertos despertemos”… Estas tres figuras femeninas aparecen con frecuencia en el drama de Ibsen, igual que en mi cuadro”.
  • El beso. 1897, gravura. Acervo Municipal de Arte de Oslo.
  • Muchachas en el muelle. 1899, óleo sobre lienzo, 135,9 x 125,4 cm.
No pinto lo que veo sino lo que vi.
  • Amor y Psiche. 1907, óleo sobre lienzo, 119,4 x 99,1 cm., Munch museet, Oslo.
A principios de siglo tenía la necesidad de romper con áreas y líneas. Sentía que esta forma de pintar se podía convertir en una costumbre… Después pinte una serie de cuadros con líneas anchas, a menudo de un metro de largo, que se extendían vertical, horizontal y diagonalmente.
3.      Tendencia de la Obra
          Expresionista

4.      Análisis Sensorial
El cuadro muestra una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial.

5.      Análisis Compositivo de la Obra
El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

El beso

1.      Tendencia de la Obra
         Expresionismo

2.      Análisis Sensorial
Representa el instante fugaz del beso, que para Munch suponía la división entre la fase de la ilusión y la esperanza que precede a la consumación del amor y la de la tragedia que inevitablemente se deriva de ella.

La culminación dramática de la obra de Munch está básicamente arraigada a esos rostros, no-rostros, cuya complejidad está totalmente anulada. Por lo tanto, para el artista noruego el amor significa renuncia a la identidad, la eliminación de la propia alma.

3.      Análisis Compositivo de la Obra
Su visión no es nada optimista, ni siquiera aunque se trate de un acto tan hermoso como el beso de dos enamorados. Hombre y mujer visten de negro y se hallan en una habitación oscura. A su izquierda, detrás de una cortina, se perciben los colores alegres del mundo exterior y el azul del cielo. La atmósfera de la estancia, por el contrario, es pesada y opresiva, y el abrazo comunica una situación de desesperación.
La superficie pictórica de este óleo sobre lienzo de 99x81cm aparece algo dañada, como arañada, por lo que el pintor debió utilizar el mango del pincel para dar ese efecto. Por otra parte, el aislamiento del beso también lo consigue nuevamente mediante una gruesa línea de contorno negra para separar la forma de los dos personajes de lo que les rodea, consiguiendo así un efecto de autoexclusión de ambos dos del entorno.


Muerte en la alcoba

Muestra una escena en tonos chillones y descoloridos. El motivo se basa en el recuerdo de la muerte de su hermana Sophie y toda la familia de Munich está representada. El foco dramático del cuadro se centra en la figura que simboliza al propio Munch.

 

La Torre Einstein

1.      La Einsteinturm o Torre Einstein, considerada como una de las obras maestras del expresionismo arquitectónico, fue terminada en 1921 e inaugurada en 1924 y le valió a Mendelsohn ser considerado el único "revolucionario nato" de su generación. No sólo se trata de una obra de estética impactante, dentro del mismo estilo expresionista que caracteriza los numerosos edificios imaginarios dibujados por Mendelsohn en los años anteriores a la realización de este proyecto, sino que además es un observatorio astrofísico capaz de cumplir hoy las funciones que le son propias.
La Torre Einstein fue también la respuesta al interrogante sobre el talento práctico y constructivo de este arquitecto. La obra fue financiada por el Estado prusiano y aportaciones privadas y, aunque Mendelsohn tuvo que aceptar una serie de condiciones impuestas por el destino práctico del edificio -telescopio y laboratorio-, gozó de suficiente libertad para diseñar los detalles y disponer las habitaciones accesorias y los accesos a la torre.
La Einsteinturm fue concebida para ser edificada en hormigón -en la mencionada entrada pueden verse los problemas técnicos durante su construcción-, material que permitía, según Mendelsohn, explorar toda la dimensión escultórico-artística del arte arquitectónico.
El edificio causó un considerable impacto en su época, le dedicaron todo género de comentarios y, como recuerda Wolfgang Pehnt -en "La Arquitectura Expresionista"-, alguien pensó, al ver la estructura escultórica y monolítica del edificio -de una pieza, que sugiere un juego de palabras con el nombre de Einstein, "ein Stein", que significa "una piedra"-, que este era un homenaje a su futuro usuario, el famoso físico alemán. Bruno Zevi también ve en el observatorio un homenaje a la Teoría de la Relatividad y la expresión de "una cuarta dimensión": "Aquí el factor tiempo es intrínseco a la formación del objeto, que brota...y se apodera del espacio". Einstein mismo, según se cuenta, no permaneció insensible ante la construcción que lleva su nombre y exclamó "¡orgánico!" al verla por primera vez.
La Torre Einstein trajo consigo admiradores con dinero y nuevos encargos y la fama, para Mendelsohn, de ser el único arquitecto afortunado de aquella época, como señala Wolfgang Pehnt, ya que pocos tuvieron la oportunidad de ver realizado un proyecto tan personal.
2.      Análisis del Autor
(Allenstein, 1887-San Francisco, 1953) Arquitecto alemán. Se formó en Berlín y en Munich y fue un asiduo de los medios expresionistas y del Blaue Reiter. En 1917 proyectó la torre observatorio Einstein (construida en Potsdam en 1919-1921), obra maestra de la arquitectura expresionista. Su vinculación a las nuevas formas de Gropius, Mies Van der Rohe y Le Corbusier queda testimoniada en los almacenes de Sttuttgart, Breslau y Chemnitz (1926-1928). Sus trabajos en Gran Bretaña (pabellón de la Warr en Bexhill-on-Sea) y en Palestina (hospital de Haifa) se justifican por su huida del nazismo. Refugiado con posterioridad en EU UU, entre sus obras cabe destacar el hospicio Maimónides (1946), diversas viviendas y, entre sus sinagogas, la de Cleveland, en la que estableció la integración orgánica que defendían el art nouveau y Wright.

Obras

Obras en Alemania:
  • Dobloug Garden store, Oslo, Noruega (1932). construida por Rudolf Emil Jacobsen según los planos de Mendelsohn
Obras en Inglaterra, en colaboración con Serge Chermayeff.
Obras en Israel:
Obras en Estados Unidos:

Centro comercial Petersdorff en Breslau (1927-1928)


Interior de la fábrica de sombreros en Luckenwaldeb (1919-1920)



ABSTRACCIONISMO

Definicion: es un movimiento que surge como consecuencia del impresionismo.
  • Esta corriente artística da un papel muy importante a la forma y el color, generando un aire de "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasily Kandinsky en 1910, cuya característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.
Se distinguen dos tipos de abstracción:

·        La abstracción lírica o cromática.

Es la que se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky.
A esta forma de abstracción tambien se la denomina cromática teniendo como representantes más destacados a Kandinsky y Delaunay.

·        La abstracción geométrica

esta, por el contrario, utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada. Sus máximos representantes son Malevich y Mondrian. Un claro ejemplo es la obra de Mondrian.

Vasíli Kandinsky

Improvisación 28

1.      Su código muestra los siguientes elementos: manchas de color extendidas y transparentes dan el sentido de profundidad fluctuante; las densas e intensas, son substancias que flotan en el espacio fluido. En las manchas oscuras predominan dos colores: el rojo, cálido que tiende a expandirse, y el azul, frío, que tiende a contraerse. Cada color representa una fuerza; éstas se pueden sumar o restar, se limitan o se impulsan mútuamente. Los signos lineales filiformes son indicaciones de posibles movimientos, sugieren la dirección y el ritmo de las manchas, ponen en movimiento todo el cuadro; son los que dan a las manchas de color la cualidad de fuerzas y no de formas, y dan el ritmo al movimiento. Kandinsky substituye la noción de espacio por la de campo.

2.      Análisis del Autor
(Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.

Obras
Grabiele Münter
 
La cantante

Alegre ascension

Study for a Sluice

El jinete azul

Gabriele Münter pintando en Kallmunz

Moscú I

Noche de luna

Ciudad Antigua II
 
Domingo

Dormitorio en la Ainmillerstrasse

Grupo con crinolinas

La calleja Grun en Nurmau
La vida multicolor

Paisaje con Iglesia

San Jorge y el Dragón








Sillones de Playa en Holanda. 1904

El elefante

Amarillo, rojo, azul

Negro y Violeta

Composición VII

Cuadro con borde blanco

En azul

En gris

En torno al círculo. 1940

Marrón profundo

Ovalo rojo

Paisaje con lluvias

Pequeñas Alegrías

Pequeño sueño en rojo

Pintura con borde blanco

Sucesión

Tensado en el rincón

Cuadro con arco negro

De las frías profundidades

En el cuadrado negro

Tensión en rojo

En el ovalo claro

Amarillo, rojo, azul (1925)

1.      En 1926 Kandinsky publica su obra Punto y línea sobre el plano donde expone su concepción de las fuerzas inherentes a las formas y a los colores como vehículo de emoción, expresión, tensión y dinamismo. De esta forma es posible crear asociaciones naturales entre el amarillo y el triángulo, el círculo y el azul, el cuadrado y el rojo. Durante este periodo realiza la versión definitiva de Amarillo-rojo-azul (óleo sobre lienzo, 128 × 201,5 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, París) después de dos estudios preparatorios.

El cuadro aparece dividido en dos partes sobre un fondo plano que representa un espacio impreciso definido con la ayuda de colores pálidos. En la parte izquierda, domina el amarillo, rodeado de líneas oblicuas finas y aceradas que recuerdan la forma triangular. En la derecha un círculo azul está parcialmente cubierto por una línea ondulante negra y cuadrados rojos. La disposición de los diferentes elementos no deja nada al azar, consiguiendo crear una fuerte tensión entre las diferentes formas y valores cromáticos. El ritmo, omnipresente en las obras de esta época, se consigue mediante violentos contrastes de color que otorgan vitalidad a la composición. El conjunto adquiere una dimensión cósmica y espiritual. El cuadro puede ser interpretado como el enfrentamiento entre el amarillo y el azul que, sin duda, simboliza la oposición entre el día y la noche.

Sillones de playa en Holanda

Material: Óleo sobre cartón.
Medidas: 24 x 32.6 cm.
Museo: Städtische Galerie im Lenbachhaus. Munich


Composición IV

Su obra Composición IV muestra una serie de líneas. Colores y formas sin ninguna relación con la realidad exterior. El lienzo. Dominado por colores muy vivos, expresa un estado emocional. Cada color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Música y pintura están vinculadas, como escribe Kandinsky en su libro Sobre lo espiritual en el arte (1911). Los colores surgen en hermosas mezclas de límites completamente inverosímiles. Todo es como una explosión de fuegos artificiales, no hay ni la más remota idea de paralelismo, ni de simetría, y por supuesto es casi imposible encontrar una ligera similitud con cualquier tipo de pintura figurativa. El artista necesita exteriorizar una necesidad interna, y lo hace mediante la abstracción. Busca un arte espiritual. imaginativo, intuitivo. El cuadro es una realidad autónoma sin conexión con la naturaleza. 

Piet Mondrian

Composición en amarillo, rojo y azul (1921)

1.      Análisis del Autor
Piet Cornelis Mondrian (Amersfoort 1872- Nueva York 1944), pintor holandés.
Estudió arte en diversas escuelas, y en 1909 tuvo su primera retrospectiva; ese mismo año ingresó a la Sociedad Teosófica holandesa.
Las ideas de este grupo lo van a influenciar durante muchos años. En1910 colaboró con la fundación de una sociedad progresista que organizaba exposiciones.
La primera de estas ocurrió en noviembre del año siguiente, y allí Mondrian vio por primera vez obras de Picasso y Braque.
Se radica en París y comienza así su etapa de cubismo analítico, al que otorgó aspectos personales que llamaron la atención de Apollinaire.
En 1914 vuelve a Holanda para una exposición individual, y debe quedarse allí con motivo de la Guerra.
En la comunidad artística en la que se aloja ve que los artistas comienzan a moverse hacia una abstracción total.
Junto con ellos funda la revista De Stijl, en la que publica ensayos sobre la naturaleza y el sentido del arte abstracto.
Finalizada la guerra vuelve a París; los primeros tiempos son duros, de mucha pobreza, pero luego Piet Mondrian adquiere reconocimiento y realiza muchas exposiciones.
Forma parte de la Escuela de París y en 1931 se une al grupo Abstraction- Création. Es en esta época en que se define el neoplasticismo tan característico de su arte, por el que realiza composiciones en base a simples oposiciones de líneas y colores primarios.
Con motivo de la II Guerra Mundial, Mondrian se traslada a Nueva York, ciudad a la que se adapta con facilidad.
Continua trabajando disciplinadamente y realiza su última obra maestra, Broadway Boogie- Woogie, cuadro que elimina las líneas negras que habían sido su sello y se concentra en los colores primarios puros, en un intento por plasmar el carácter frenéticamente jovial de la vida estadunidense.
Murió de neumonía el 1 de febrero.

Obras:
Autorretrato (1900)
Paisaje con puente y granja (1898- 1899)
Naturaleza muerta con girasol (1907)
Alberi (1908)
Molino al sol (1911)
Bodegón con jarra de jengibre I (1911-1912)
Bodegón con jarra de jengibre II (1911-1912)
El árbol rojo (1908)
El árbol gris (1912)
Árboles en Blossom (1912)
Manzano en flor (1912)
Composición en gris-azul (1912-1913)
Composición nº II (1913)
Composición en marrón y gris (1913)
Composición en óvalo con colores planos (1914)
Composición (1916)
Composición con gris y luz tostada (1918)
Composición en rojo, azul  y amarillo-verde (1920)
Composición en rojo, amarillo y azul (1921)
Composición: colores claros con gris (1919)
Composición diagonal (1921)
Composición C (1920)
Cuadro nº 2 (1921-1925)
Composición II en rojo, azul y amarillo (1930)
Composición con azul (1935)
Ritmo de líneas negras (1935-1942)
New York City (1942)
Composición 10 (1939-1942)
Broadway Boogie Woogie (1942-1943)
New York City II (1942-1944)

2.      Vemos en esta obra la plasmación de las teorías de Piet Mondrian, que abogaba por una pintura constituida por espacios planos y líneas rectas, limitándose a los colores primarios, unidos al negro gris y blanco. Sobre esta base creó el neoplasticismo, un estilo abstracto geométrico.
La pintura está compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, creando un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea el autor Mondrian llega con esta obra a la máxima pureza de las formas y el color ubicándose en el límite justo entre la pintura y el dibujo, el color y la forma, la figura y la línea. Si bien a simple vista la obra parece mostrarse estática, y sus espacios parecen bidimensionales, si observamos con detenimiento, las manchas uniformes de color resultan densas por su tensión cromática, el grosor distinto de las líneas negras de borde las contiene en un perfecto equilibrio, dichas líneas crean diversas secciones en la superficie que alternadamente despliegan colores primarios en sus formas más puras. Se establece una tensión magnética que integra los objetos continuamente al mirar la obra, lo que consigue mantener la observación del espectador.

Tabla II

Tipo de obra: Óleo sobre tela
Estilo: Neoplasticismo
Cronología: 1921-1925 (1922)
Dimensiones 55.6 x 53.4 cm. 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York


1.    Descripción y análisis de la obra:

El artista realiza una serie de composiciones muy parecidas, en las que el ritmo de la composición está establecido por un conjunto de cuadros realizados en colores primarios (rojo amarillo y azul) delimitados por gruesas líneas negras. Algunos cuadros interiores se terminan en gris y blanco para causar un limpio contraste.
En oposición al cubismo, que no se identificaba con sus propios descubrimientos y cambiaba constantemente. Mondrian se identifica con el cuadro de fondo plano. El marco blanco, o gris se divide creando efectos de insospechado lirismo e intensidad. El color está aplicado con gran delicadeza. El rojo y el azul son delicadamente pesados con sumo cuidado, como si se tratase de un sistema de equilibrio. El resultado es una expresión más dinámica que estática.
Al intentar representar el cuadro en sus dos dimensiones, evita crear la ilusión de profundidad, omitiendo toda línea curva o diagonal.
T ambién elimina toda referencia al movimiento. La poética del lienzo radica en las formas rectangulares, que limitan los colores primarios sin aislarlos. Sin embargo, estos colores son onjetivos, sin ningún tipo de carga emocional. La simplificación de formas llega a anular la voluntad decorativa. Nada es superfluo. El resultado es una composición completamente equilibrada, donde el color, forma y disposición están estudiados según un perfecto orden mental.

2.    Aspectos  técnicos y estilísticos:
Es muy importante para comprender el estilo de Mondrian que ninguno de los cuadros es idéntico a otro, que cada uno funciona (como las panorámicas de ciudades del impresionismo) como un objeto independiente dentro de una conglomeración urbana.
La abertura o estrechamiento de las líneas en la cuadrícula produce una impresión de oleada, flujo, constricción, sensación de distintas velocidades. Mondrian, con sus diseños se ha convertido en uno de los autores más imitados del siglo XX. Sus nociones se ven reproducidas en multitud de anucios y publicidad.
El neoplasticismo es una vanguardia intelectualista que busca la armonía y la pureza plástica total, como la música y las matemáticas.
Se inicia en Holanda, en 1917, de la mano de Mondrian y Theo Van Doesburg en torno a la revista De Stijl (El estilo).
Colaboran en este movimiento pintores arquitectos y decoradores que intentan fusionar todas las artes en una armonía universal que consiga mejorar el corodeanvulso que les rodea.
Su purísimo eleva a las máximas cotas el modelo intelectual de la obra de arte. A pesar de ello, sus presupuestos y la simplicidad de su lenguaje han fluido notablemente en el diseño y la arquitectura del siglo XX.

Molino al sol (1911)

Descripción: Óleo sobre tela. 114 x 87 cm.
Localización: Gemeentemuseum. La Haya


Paul Klee

Senecio
1922
Óleo sobre imprimación de yeso sobre gasa sobre cartón, 40,5 x 38,4 cm.
Basilea, Kunstmuseum.

1.      Análisis del Autor
(Münchenbuchsee, 1879-Muralto, 1940) Pintor suizo. Hijo de un profesor de música, realizó estudios clásicos en Berna. Se inscribió en la Academia de Munich, donde tuvo como profesor a Franz von Stuck (1898-1900) y se familiarizó con las teorías del Jugendstil, que más tarde pondría en práctica en obras como Cabeza amenazadora, 1905.
De regreso a Berna, prosiguió su período formativo centrándose en la música, lo gráfico, la lectura de clásicos y en la observación de las obras de Blake, Klimt, Goya y, en París, de Leonardo y Rembrandt. Posteriormente, realizó una serie de dibujos inspirados en Van Gogh, Cézanne, Matisse y otros representantes de la escuela francesa.
En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El caballero azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, V. Kandinsky y F. Marc, así como a Kubin y a Macke, con quienes expuso al año siguiente en Berlín. En París se relacionó con Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color (en los que influyó notablemente su viaje a Tunicia, en 1914, con Louis Moilliet y Macke), con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra.
En 1920 ingresó en la Bauhaus de Weimar, donde fortaleció su método de análisis, y en 1924, junto con Kandinsky, Feininger y Jawlensky, formó el grupo de los Blaue Vier (Los cuatro azules). Las obras realizadas durante este período están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos (Teatro botánico).
Tras ser profesor de la nueva Bauhaus de Dessau (1921-1930) y de la Academia de Düsseldorf (1931-1933), la condena nazi de su obra le obligó, en 1933, a exiliarse a Berna, donde, en claro paralelismo con la esclerodermia que contrajo, su producción adquirió un tono simbólico y dramático con elementos temáticos esquematizados progresivamente hasta convertirse en ideogramas (Un rostro y también el de un cuerpo, Tañedor de tímpanos, Muerte y fuego, Demonio, etc.).
Además de Diarios, Klee escribió artículos acerca del arte, que pueden considerarse como una teoría del arte moderno. En la actualidad, la mayoría de su obra se halla depositada en el Museo de Bellas Artes de Berna (fundación Klee).

2.      Un ejemplo del procedimiento utilizado por Klee en muchos cuadros de figuras humanas es Senecio, que se inserta en una serie de obras que muestran máscaras. En este caso, la cabeza redonda del sujeto es una circunferencia subdividida en su interior y cuyo dibujo deja ver el método utilizado y la génesis del proceso: se manifiesta aquí, rozando la abstracción, un verdadero juego de habilidad compuesto de líneas y figuras geométricas: Véanse por ejemplo las cejas: una en forma de perfecto triángulo, la otra un arco de círculo perfecto, como la circunferencia de toda la cara.
A mitad de camino entre humano adulto y niño, tiene un tótulo, Senecio, que alude al nombre de una flor venenosa y al célebre filósofo Séneca. El conjunto se transforma en una máscara ambigua y dramática, similar a la de Arlequín, cuyo atavío se cita en los colores a cuadros del rostro y del borde del traje, y cuya máscara evocan los rasgos del aquél.
Hay que considerarlo como parte de una pequeña serie de obras sobre el tema del teatro, el actor y la ambigüedad inherente a la representación artística, al ser humano y a sus ilusiones. Ya en 1905, en los grabados titulados Invenciones, Klee había abordado esta temática, sobre la cual volverá con frecuencia, por ejemplo en el Cómico, donde el rostro del hombre sale por detrás de la máscara levantada, mostrando un aspecto igualmente grotesco. A comienzos de los años veinte hay tres obras importantes al respecto: el Actor, el Clown y Senecio. Éste presenta el aire encantado e irónico que las obras de Klee adquirirán en su madurez, cuando triunfa la ironía, una especie de despreocupación típica de los niños: son aspectos que conviven, aquí como en otros cuadros, con un sentido agudamente dramático que se expresará con fuerza sólo en los años del "exilio" y la II Guerra Mundial.


Reb ballon (1922)


La casa giratoria
Óleo y lápiz sobre estopilla de algodón adherida a papel.
Medidas:
37,7 x 52,2 cm
Úbicacion:
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

1.      Parece que no tiene nada, pero contemplarlo transmite calma. Es una reducción de las formas geométricas al espectro de un niño. A la simplicidad apacible, a la paz total, al ocaso del ocre... a una obra sencilla que atrapa. La transformación de una ciudad en líneas, trazos y rayas. ¿Quietud? Movimiento sin freno. Una obra imprescindible y que nadie debe perderse en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. 


SUPREMATISMO

Surgió en Rusia alrededor de 1915 (paralelo al constructivismo).
Fue un movimiento artístico que se enfoco a formas geométricas, especialmente en el círculo y el cuadrado.
También es conocido como el mundo de la NO representación.
En 1915 Kasimir Malevich y Vladimir Maiakovsky escriben el manifiesto.
Esta tendencia defiende un arte liberado de fines prácticos y estéticos, la abstracción pura, expresada por medio de las figuras geométricas.

Características principales:
Supremacía de la sensibilidad plástica pura por encima de todo fin materialista, práctico, social, descriptivo o ilusionístico.
- Abstracción de las formas (todo se reduce a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo).
- Formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas.
- Empleo de colores planos contrastantes (en general primarios y también gamas intermedias, blanco y el negro).
- Gama de colores reducidos (rojo, negro, azul, blanco y verde) o a veces carente de color.
- Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.
- El punto de fuga no se ubica sobre el horizonte, sino sobre el infinito.
- Sensaciones de movimiento y velocidad.
- Algunas estructuraciones complejas asimétricas, de líneas y formas trapezoidales en variación constante (distintos tamaños y colores), generalmente ordenadas en relación con diagonales, de sensación dinámica (esta estructuración es característica del período 1914 y 1917).
- Otras estructuraciones sencillas a base de formas geométricas puras y absolutas (círculo, cuadrado, rectángulo, triángulo y cruz) de manera independiente o conjugadas y ocupando gran parte de la superficie del cuadro.


Kazimir Malévich

Cuadrado Negro (1913)


1.      Análisis del Autor
(Kiev, actual Ucrania, 1878-Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso. Después de estudiar arte en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto hacia un primitivismo inspirado en los fauves y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand Léger. Participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia. En sus viajes, conoció el cubismo y el futurismo, que le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen futurista.
Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces, alternó obras de una austeridad absoluta, como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de cierta sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la serie Blanco sobre blanco.

Obras selectas:
Paisaje con una casa amarilla, 1906
[1913] 1923-29 Círculo negro
1933 Autorretrato
[1915] 1923-29 Cuadrado negro
1916 Suprematismo (Supremus No. 58) Muzeul de Artă, Krasnodar
Paisaje de verano, 1929

2.      Suprematismo:
Malevich en su vida artística pasó rapidamente de la figuración a la abstracción y al futurismo. Por eso dio un paso más, creando el Suprematismo. Es una tendencia a lo más básico, la línea, el plano.

3.      Choque: Cuadrado Negro supuso una bofetada de sorpresa a los espectadores, acomodados y sin interés en las innovaciones artísticas. Supuso que buscaran una nueva forma de ver y entender el arte, diferente a la que hasta ahora habían tenido. Concibe el nuevo arte, poco a poco, como algo vinculado a lo industrial y a lo revolucionario del momento.

4.      En busca:
Malevich buscó formas puras, simples, que no podía encontrar en la naturaleza. Con un gran misticismo detrás, el Suprematismo para ellos era el lenguaje para explicar la cosmología del universo, ya que es lo más puro, fuera de la realidad.

5.      Estandarte: La importancia de Cuadrado Negro a lo largo de la historia del arte ha sido de una importancia atroz. A simple vista no puede parecer mucho, pero ayudó a abrir la mente de los espectadores e incentivar las ansias revolucionarias del momento. Sin su cuadro, que usó Malevich como estandarte para su propia tumba, seguramente nuestra sociedad actual no sería tan abierta, tan plurral y tan innovadora.

Composición con Mona Lisa (1914)

En este lienzo, el autor superpone varios planos, con diferentes enfoques y colores, en una composición que recuerda en cierto modo al cubismo. Esta es una de las obras más conocidas.


Composición Suprematista, 1916


Considerada como uno de los icnos del Arte ruso y un ejemplo paradigmático del Arte de vanguardia del siglo XX, esta obra maestra fue realizada en 1916, el mismo año en que Malevich publicó su Manifesto Suprematista. La pintura formó parte de las colecciones del Museo Stedelijk en Amsterdam durante los últimos 50 años, antes de ser restituida a sus dueños originales, los herederos del artista. La obra ha sido incluida en todas las principales exposiciones del artista llevadas a cabo (tanto en Rusia como fuera de ella) y fue seleccionada para la primera exposición del artista frente al público europeo en 1927. Se calcula que podría superar los 60 millones de dólares (41 millones de euros) en subasta
“Composición Suprematista es una magnífica pintura moderna de enorme importancia", afirmó Emmanuel Di-Donna, alto responsable de Sotheby's. "Se encuentra entre las mejores pinturas del siglo XX, junto a las más importantes obras de maestros como Picasso, Rothko, Pollock y de Kooning que jamás hayan sido vendidas. Ningún otro Malevich de esta categoría ha aparecido en una subasta, y es un gran privilegio para Sotheby's ofrecer esta pintura en noviembre"




Antoine Pevsner (1886-1962)

El Nacimiento del Universo, 1933

1.      Análisis del Autor
Antoine Pevsner (18 de enero de 1888 - 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Orel, Rusia, hijo de un ingeniero.
Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla.
E n 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger.
En una segunda visita a París en 1913, conoce a Modigliani y a Archipenko, que estimulan su interés hacia el cubismo; en ese mismo año ve la exposición de Boccioni sobre construcciones arquitectónicas, que le interesa profundamente.
Pasa los años de la guerra con su hermano en Oslo; allí "durante dos años digieren juntos todas sus experiencias y desarrollan el arte que más tarde llamarían Constructivismo...Se puede suponer que
Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas, Naum su aproximación científica a los materiales y a la forma. Durante su formación como médico, Naum había aprendido a hacer construcciones tridimensionales para ilustrar fórmulas matemáticas, de modo que lo que surgió fue una fusión de una visión artística y un método científico" (Read).
Vuelve a Rusia en 1917 y enseña, con Kandinsky y Malevich, en la Academia de Bellas Artes de Moscú.
En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad, ya sea capitalista, socialista o comunista, dejando clara su postura frente al constructivismo y al suprematismo; enuncian en este manifiesto su idea del constructivismo y tratan de traducir sus conceptos de una realidad absoluta y esencial, en la realización de sus percepciones del mundo, en las formas de espacio y tiempo. Dan forma al espacio por medio de la profundidad más que por el volumen y rechazan la masa como base de la escultura. "Las construcciones plásticas de Pevsner y de Gabo, no son exactamente esculturas, porque implican la intención de anular el concepto de escultura como disciplina tradicionalmente definida por unos procedimientos, finalidades y materiales. Aún más, se niega la escultura como forma cerrada que interrumpe la continuidad del espacio y lo define en relación a sí misma, como vacío opuesto a la plenitud". (Argan).
Sus obras están presentes en la exposición Erste russische Kunst Ausstellung, en la galería Van Diemen de Berlín, en 1922. Al año siguiente visita Berlín donde conoce a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandona la pintura y se vuelca en la escultura constructivista.
En 1923 se instala definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930.
En 1926 sus obras están incluidas en una exposición en la Little Review Gallery de Nueva York. Junto con Gabo, diseña la escenografía para el ballet La Chatte, producido por Sergei Diaghilev. En París, los dos hermanos están a la cabeza del grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se muestran en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.
En el mismo año, la galería René Drouin de París organiza su primera exposición individual. En 1948 el Museo de Arte Moderno de Nueva York presenta la exposición Gabo-Pevsner y en 1952 el artista participa en la Chef-d'ouvres du XX Siècle, promovida por el Museo Nacional de Arte Moderno de París.
En 1957 el mismo museo le dedica una exposición individual.
En 1958 está presente en la Bienal de Venecia, en el pabellón francés.
Muere en París el 12 de abril de 1962.

Obras:
Construcción en el espacio, 1923
Proyeccción en el espacio, 1924
Fuente 1925
Proyección en el espacio, 1938
Construcción Dinámica, 1947
Visión espectral, 1959

Construcción en el espacio, 1923

Está hecha de cristal y metal, tiene 64 cm. Se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de Paris.
Se puede observar la dominante de líneas rectas y de ángulos agudos. Sin embargo, algunas curvas y el movimiento general de la obra preanuncian su futuro desarrollo.


















 

1 comentario:

  1. MUY INTERESATE VER LASDIFERENTES REPRESENTACINES DE LAS PINTURAS, SIN ENVARGO FALTAN ALGUNAS ME GUSTARIA QUE LAS INCORPORARAN

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